文：王添強 11/8/2021
世界上的舞台設計依然受兩位大師的影響，當年無法實現的效果，今天都能充分呈現
大家對香港公園的羅馬劇場，或許有點印象。歷史上，人類再不隨便找個空曠地方，而是特意設計一個場地進行表演，應該由希臘為了酒神節慶，依靠山腰而興建的半圓型劇場開始。這就是香港公園羅馬劇場的藍本，只要走進表演區域中央，因為聲音物理原理的關係，天然揚聲系統就會產生，有助演員進行表演，加上演員所戴的面具，使聲音更為集中，近萬觀眾也能聽得清楚。
明日劇團1996年在香港公園羅馬劇場表演大木偶劇墟-七彩象飛飛
香港快將出現很多新的舞台，或許是時候同大家介紹一下世界舞台美術設計的發展
未來幾年，多個舞台將陸續在香港各區出現。香港舞台美術設計經過演藝學院科藝學院的努力，人才輩出。作為 1985 年科藝學院開校第一代的教職員，及九一年帶隊參展「國際舞台建築及設計四年展」（PQ91）的其中一位 APA 導師，很想與大家分享有關當代舞台設計的發展面貌。在討論舞台設計發展之先，先讓我們回顧一下舞台建築及舞台設計發展歷史，並介紹四位影響當代舞台設計概念的巨匠。分別是 Adolphe Appia、Edward Gordon Craig、Vsevolod Meyerhold、Max Reinhardt 。這些二十世紀初，到二戰前後的偉大舞台藝術家，為舞台設計開創新穎理念及漂亮畫面，作出貢獻。從今日的角度來看，作品依然並不落後，證明他們擁有跨越歷史的威力。
國際舞台建築及設計四年展PQ，每四年在布拉格舉行，香港91年開始參與學院部分，95年則參與專業部分。這是當年英國的佈景模型
希臘、羅馬舞台遺址至今依舊存在威力
介紹這些當代偉大設計概念之前，先回顧一下舞台建築及美術歷史。興建舞台由希臘、羅馬劇場作為起點，應該大家也同意。希臘、羅馬藝術家利用聲音的物理學，加上演員戴上面具的美學，及詩意台詞的文學，當然還有發人深省的故事哲學，創造戲劇世界第一個盛世。嚴格上，希臘、羅馬舞台只屬於建築，當中只有服裝、道具、面具屬於舞台美術的部份。2006年六月，曾到訪保加利亞南部 Plovdiv 木偶藝術節，有幸在當地希臘劇場歷史遺蹟上，觀賞了一場莎劇-羅密歐與朱麗葉。劇場把表演修訂在時下黑幫，真槍空彈現場射擊，還有港產片式瘋狂追逐打鬥外。當然還有，沒有無線咪演員依舊語音清晰，及大自然背景的震撼。由於東歐夏季，九時之後才日落，所以全劇在日落天色不斷變化背景下演出。或許，讓我們可以感受當年，希臘、羅馬戲劇風氣下的生活姿彩。
希臘劇場遺跡
背靠山崗是希臘劇場音響效果的物理原因，其實至今依然是舞台建築模仿對象
希臘、羅馬劇場的面具，與世界各地的表演藝術發展不謀而合
面具一直是希臘、羅馬戲劇的象徵，同樣也是世界各地原始宗教表演藝術的重要美術元素，由中國到非洲及西方，無一例外。或許，可以從當中看到很多相似及雷同的地方，就是他們當中的宗教祭祀，以及戴上面具的神召感染力量痕跡。到了中世紀的歐洲，劇場不再由當年的詩歌與文學所組成，而是實實在在的表演，大型佈景在教堂廣場樹立，代表著天堂、地獄、聖蹟、人間，是基督教會與民族藝術妥協結果，當中都有大量民族藝術元素。目的是用傳統的方式，向當時大部份文盲的群眾，講述基督耶穌救贖的「聖蹟劇」。基督神蹟拯救的特技，噴火鬼魅的地獄入口，的確使人觸目驚心、引人入勝，寓傳道於娛樂，舞台佈景在此終於面世。歐洲朋友曾向我說笑，古代最受歡迎的情節當然不是天堂與聖蹟，而是神秘莫測的地獄及魔鬼部份。
希臘面具劇場至今依然是劇場研究及探索對象
世界各地都有近似的面具文化，南美馬雅黃金面具、西非洲面具、新基內亞的面具、日本武士面具。這是90年代在紐約大都會博物館購入的面具介紹書籍。打開好像立體書一樣，每個面具都可以獨立拆下，演員戴上成為表演，是歐美學生學習戲劇的重要素材
中國的面具劇場（儺戲），西漢的青銅面具、貴州土家族面具、廣西師公戲面具，當然還有瑞士，德國、意大利山區的面具巡遊表演
莎士比亞與中國戲台，是「空場主義」先鋒
文藝復興影響整個歐洲大地，哲學思潮此起彼伏，劇場亦成為變化多端的地方。各地都開始有自己獨創的風格。之後，雖然有互相影響的情況，但因為資訊與溝通缺乏，各地都先有自己獨特發展規律，才進行交流、模仿。十六世紀，莎士比亞時期，基本上只是一個木造戲台，又是建築物，又是佈景。露台、木柱、地庫出口，抽象構成戲劇中的所有空間，與中國明、清時代的戲台概念，極為相似。舞台上彷彿什麼也沒有，但又代表著所有佈景，上邊的露台可以是羅密歐與茱麗葉幽會的地方，下邊地庫出口可以是女巫的現身處，當中木柱可以是宮廷，也可以是帆船的桅杆。或許，我們可以這樣理解，「空場主義」的抽像空間設計概念，應該從沙士比亞年代已經存在，只是未有以此來立論。
莎劇舞台的繪圖及後來重新仿製的劇場
西班牙建築物內廣場劇院
「鏡框式」舞台，通過透視繪畫，期望以假亂真
1618年，意大利建築最早的「鏡框式」舞台，一種由橫幕與側幕三面組成鏡框，層層透視產生空間的佈景設計出現，森林、洞穴、宮廷、花園、樓閣、廣場層層深入，應有盡用，現今香港粵劇的舞台佈景依舊是這種構思。就在「鏡框式」舞台出現的參不多時間，一種仿似今日古典歌劇院的表演場地建築也在萌生。事源當時群眾要表演大型節目，採用的折衷辦法，就利用當時歐陸居民建築物群的中央廣場，其中一面缺口通風的集體屋宇設計。在建築物的缺口部份搭建舞台，在中央廣場興建觀眾席，三邊建築物的露台成為觀賞的最佳樓座位置，因為封閉空間，音響效果也近似希臘劇場。所以當我們走進西班牙、東歐及南歐各地的這類劇場，大家會發現平時建築物露台的窗框上有座位編號。這些露台在夏天舉行大型表演時，將大派用長，這也是今天歌劇院設計的原形藍本。
鏡框舞台
打開「第四牆」的佈景設計
到十九世紀末，二十世紀初，因為模仿真實生命的自然主義戲劇在歐陸流行，一種假裝觀眾躲在隱形第四面牆後，一種「三面牆」的佈景誕生。自然主義期望通過繪畫的寫實效果，嘗試重現真實。當時的思潮，重現生活的事情細節，以人的遭遇與決擇，及經歷，進行思考、反省，相信這才是藝術、哲學的真正價值。以人自身命運去擺脫宗教及傳統的枷鎖，進行反基督教霸權的態度，把人當世一刻生活放在世界的最重要位置。當然今日這種思潮已經過去，當代藝術不再以反基督而活，而是反思人類自己的問題。當時寫實潮流的出現與領導，與劇作家易卜生與契訶夫的精彩劇本關係密切，而莫斯科藝術劇院的表演，成為當時自然主義的中心舞台。
或許以歐陸兒童玩耍的小型紙板仿製舞台，更能明白鏡框舞台的特色
自然主義無微不至地重現真實生活，未必能展現舞台藝術的真正魅力
就在寫實主義與自然主然極為流行的日子，當舞台嘗試無微不至重現現實生活，創造出神奇幻覺之同時，擺脫自然主義束縛的劃時代大師終於出現，這四位舞台設計的開拓者，改寫了舞台美術的歷史。擺脫自然主義的第一人，當然首推瑞士日內瓦藝術家阿庇亞（ Adolphe Appia ），紅十字會聯合創辦人 Louis Appia 的兒子。他對戲劇充滿興趣，喜愛音樂，一直夢想改變華格納的歌劇舞台。1895年他出版「華格納音樂劇的演出」，把他對華格納歌劇舞台的構思通過設計草圖，簡潔精練，氣韻生動地宣示他的美學主張。
寫實主義不單在二十世紀影響歐洲舞台，更成為一種風格。Long Day’s Journey into Night 的佈景及模型，還有The Waltz of the Toreadors 。明顯看到巨細無遺地模仿真正生活的造法。
表演與空間和諧配合的舞台設計概念
阿庇亞舞台美學原則，是由導演和設計師統一藝術風格與方向開始。認為平面繪畫布幕，及其透視空間之間，當演員在當中表演時，格格不入，寫實風格佈景可能已經不合時宜。他對舞台設計有幾個主張，分別是：舞台必須以演員為主，動作和佈景立體空間配合；舞台線條應該根據音樂旋律與節奏而成；燈光不僅照明，更是塑造色彩、氣氛的主要媒介。阿庇亞將光影、空間和演員視為舞台一個整體，必須創造場景統一感覺與氣氛。
梯級基本上已經成為阿庇亞創造韻律的標記
今天舞台設計的樣貌，於一百年前已經面世
阿庇亞對華格納歌劇舞台提倡改革，建議聲、光和動作完全和諧配合，試圖將演員與音樂的節奏，及觀眾接受的情緒融為一體。他期望作品，光線不斷變化，時時刻刻在運作，從一個動作到另一個動作，統一舞台動作和空間的綜合使用，與舞台場景的佈置與節奏一致。他應該是最早瞭解舞台燈光感染威力強大的設計師，佈景與燈光不僅僅為了演員的照明和描繪風景，而是在創造一個擁有心靈暗示作用的空間。他強調：不要去創造森林的幻覺，而是應該要去創造處身於森林氣氛的人的內心景象。佈景都要帶有感情色彩，情中有景，景中有情，情景交融，一個帶有角色主觀感情色彩的空間。他的想法明顯超越時代，成為一百多年後今天舞台設計的常規，可惜當時未獲當時保守勢力接納，設計工作不多，還經常被批評得體無完膚。
可以看到阿庇亞的作品一點也不落後
百年後的今天，阿庇亞的作品影響依然深遠。大型頒獎典禮及演唱會，不是經常見到這些面貌
無獨有偶在瑞士以外，有另外一位概念極為近似的朋友
另一位要介紹的朋友，是來自英國的哥頓·克雷（ Edward Gordon Craig） ，他出生一個戲劇家庭，父親是建築師及設計師，媽媽是著名演員。他算是自小生活在劇場之中，十七歲就登上舞台當演員。他對舞台有很多想法，立志成為導演及佈景設計，使作品的藝術性更為統一。克雷是一位出色的舞台設計及導演概念理論家。強調舞台作品風格統一，並且認定舞台並不是閱讀。文學的存在固然重要，但能夠將文學轉化成在觀眾面前的視覺與動作，更為重要。大膽運用簡約佈景，配合燈光色彩，並且與演員在舞台中聯合呈現，創造與別不同的舞台影像。他的作品充滿動作、線條、色彩，彼此更互相配搭，而產生一種極為震撼的統一視覺效果。
克雷十七歳就粉墨登場，但最希望可以成為舞台意念統一的導演及設計師
一種觀眾肉眼所能見到的心理視像
克雷完全秉棄自然主義的舞台細節，放棄慣用的透視佈景技巧，不再使用繪畫描述大自然的樹木、山石與城市建築的情況，強調以幾何線條、物料質感、色彩燈光效果，以垂直而堅硬質感的佈景，重疊而產生燈光陰影、韻律的線條，創造一種威嚴震懾的果效。一種觀眾肉眼所能見到的創新視覺效果，而這個視覺效果與戲劇情節的思想統一，去產生觀眾對戲劇內容的深刻印象，把物質世界提升到心理高度，並且從心理上影響觀眾，產生強烈的象徵意義。舞台視覺作品，好像音符一樣，在舞台必須通過演員的動作而產生變化，建立一種視覺旋律的感覺。所以，克雷的設計除了佈景模型以外，經常會以素描繪畫演員站在舞台的視覺影像作為草稿。
莫斯科藝術劇院的「哈姆雷特」為克雷奠定大師的地位
兩位心有靈犀想法近似的大師
阿庇亞（Adolphe Appia ）以華格納的歌劇創作為主，但以不同的平台與梯級，加上演員站立時所產生拋物線及弧線的效果，創造一種舞台視覺旋律，一直影響著當今的設計。舞台佈景不再是純粹角色生活的空間，而是與演員共同創造一幅活生生的視覺藝術影像，一幅活動繪畫的理論，對後世影響極為珍貴，可惜當年實際工作機會不高。
以素描方式描述舞台擁有演員表演時的視覺影像，是克雷的設計風格
克雷（ Edward Gordon Craig） 則是莎士比亞劇場及話劇舞台，最大的美術革新者，並且幸運有很多實踐機會。1912年更遠赴當時世界戲劇舞台頂端的莫斯科藝術劇院，執導及設計「哈姆雷特」，在斯坦尼斯拉夫斯基的提點下，把「哈姆雷特」的舞台設計，化身成為世界舞台設計典範，開創當代舞台美術的風氣。他的作品實踐機會多，說服力更大。兩位的理論家草稿及設計，都是當代舞台設計的思想寶庫，影響所及，至今不減。
這篇文章必須照片與文字互相參照，才能獲得當中的精髓
敬請閱讀這篇文章時，必須同時觀看多年來蒐集的照片，配合圖片與文字，大家才能充分瞭解，當代舞台設計的兩位大師的想法。看完照片，你一定發現他們的作品，至今依舊並不落伍。分享過阿庇亞與克雷的之後，下篇文章介紹兩位對舞台導演與設計結合十分重要的大師，俄羅斯的梅耶荷德（Vsevolod Meyerhold）及奧地利的萊因哈德（Max Reinhardt）。瞭解過四位當代舞台設計大師的理念，對舞台設計發展應該擁有一定的基本認識。或許，有助我們更容易明白英國、美國及東歐各國，當代舞台設計的最新發展趨勢。
PQ是一個大家不能錯過的盛會，這是九九年PQ 的場刊，下一屆在2023年六月
期望於 2023 年六月，與大家一起漫遊布拉格，參觀 PQ 23 ，享受世界舞台設計四年展的筵席。我從九一年開始，至今已經去過五屆 PQ ，看到每屆近千舞台設計，加上當地餘興藝術節的表演，相信沒有任何舞台盛況，比這個展覽更為震撼。
91年PQ期間在布拉格國家博物館門外。當然，還有布拉格圖書館旁的國際木偶聯合會（UNIMA ）1929年成立的標誌
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